¿Por qué la gente no ve el cine mexicano?

Durante el mes de mayo, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) publicó la décima edición del Anuario estadístico de cine mexicano. Para festejar la primera década del primer documento gratuito que estudia la producción, distribución, exhibición e infraestructura del cine mexicano desde la estadística, la cineasta y titular del IMCINE

María Novaro, la guionista y promotora cultura Marina Stavenhagen y la investigadora Rosario Lara ofrecieron una plática sobre el origen y evolución del anuario. Entre las actualizaciones a destacar, sin duda, fue el anexo de un nuevo capítulo que busca responder: ¿por qué la gente va cada vez menos al cine?Durante la conversación mediante un Facebook Live de IMCINE, la investigadora Rosario Lara, quien ha colaborado con el Instituto durante los 10 años de existencia del anuario, explicó que en esta edición se consideraron variables que no habían sido estudiadas en las ediciones anteriores para entender las razones sobre por qué la gente no consume cine. «El capítulo 4, Infraestructura de exhibición fue la que más creció», asegura la investigadora. «Tal vez no podemos tener una cifra exacta de cuánta gente no va al cine, pero sí podemos entender otras variables que respondan por qué la gente tal vez no va al cine».

En esta décima edición, en el capítulo 4, se analiza el número de pantallas y complejos por estado: números que pueden llegar a visualizar la desigualdad en la distribución cultural. Sin embargo, según la investigadora, esta vez también se consultaron encuestas elaboradas por CONAPO o la Encuesta Intercensal del INEGI que arrojaron variables para entender el comportamiento de los espectadores y los ausentes del cine.

«De acuerdo a la Encuesta Nacional de Ingresos y Gastos de los Hogares, el 85.8% no gastan dinero para ir al cine».

No obstante, tal como se señala en ¿Cinefilia para todos?, un artículo adjunto del anuario y elaborado por la Dra. Ana Rosas Mantecón, «es evidente que el nuevo patrón de relocalización de las salas erige enormes barreras geográficas para el acceso». En el caso de Chiapas por ejemplo, 29.9% de la población señalaron el temor a ser víctima de algún delito como la principal razón de no asistir al cine. Además, de sólo existir 14 complejos de cine.

En un panorama global, «la lejanía de los espacios de exhibición fue la principal razón aducida por la población en el ámbito nacional para no asistir: porque se reconocía que no le quedaban cerca o porque no se sabía dónde se ubicaban; otros señalaban como obstáculo la falta de tiempo y el costo de los boletos», se describe el artículo adjunto del anuario.

Texto original: Susana Guzmán de la O (Cinepremiere)

Ambulante 2020: Lupita, las heridas de Acteal y la promesa de justicia

Texto original: Sebastián Valenci (Cinepremiere)

Lupita: Que retiemble la tierra es un documental sobre Guadalupe Vázquez, una mujer tsotsil que sobrevivió la masacre de Acteal, en donde perdió a sus padres junto con otras 45 personas mientras rezaban en la iglesia. La película se presentó este fin de semana en el festival Ambulante en casa. Hablamos con Mónica Wise, su directora, sobre las dificultades que enfrentó retratando esta historia, desde problemas con la comunidad hasta el reto de establecer una comunicación empática y respetuosa con Lupita. “A ella nunca le gustó mucho la idea de que alguien la siguiera con la cámara”, nos dice la cineasta.

De acuerdo con la realizadora, no es la primera que se ha acercado a Lupita, pero sí es la primera vez que ella acepta a alguien para que la siga no sólo en su papel como oradora y líder de las Abejas de Acteal, sino también como madre de familia. “Yo estoy muy tranquila, le doy su espacio. Me da mucha ansia cuando la veo incómoda. Muchas veces dije ‘bueno, suficiente, vamos a intentar mañana’”.

Por supuesto, para Lupita es difícil recordar lo que pasó. Todos los 22 de cada mes, su comunidad hace una ceremonia en Acteal para conmemorar la masacre, pero ahondar en detalles sigue siendo doloroso. “Unas veces sí sentí que ya era mucho pedirle recordar. Pero para eso vive. Su lucha es que se haga justicia y por eso dice que más gente tiene que saber lo que pasó. Pero sí hubo un momento en el que ella está en el arroyo donde escapó de la matanza, y me dijo ‘había sangre y todo aquí’. Estaba muy tranquila, pero la vi ahí con su hijo y sí fue un momento bastante fuerte para todos. Tiene mucha fuerza”.

Lo valioso de Lupita: Que retiemble la tierra es que funciona como reflejo de la comunidad a través de los ojos de Lupita. Desafortunadamente, ese acercamiento también genera problemas. “No puedes hacer ni una cosa en la comunidad si todos no están de acuerdo. Los niños pidieron volar el dron del fotógrafo y escuchamos algo raro. El productor me dijo que había un problema con los vecinos, que intentaron disparar al dron. Llegamos ahí y estaban reunidos, y decidieron que no podíamos grabar”.

“Perdimos mucho tiempo y dinero con eso. Fue muy difícil, pensé que ya no se iba a poder hacer el documental. Hasta el productor estaba sin saber qué hacer. Pero regresé otras veces, sólo fui yo, una amiga sonidista y Lalo con la cámara, e hicimos más cosas íntimas allá y nunca volvió a haber problema. Hay que estar abierto a todo lo que pueda pasar”.

Esa apertura la mantiene hasta ahora, después de que el documental dejara de proyectarse por la crisis que estamos viviendo, un evento al que Lupita y su familia iban a asistir.

A pesar del cambio de planes, Mónica está feliz de que la historia finalmente salga a la luz. “La verdad estoy muy emocionada de esta oportunidad con Ambulante, porque hay mucha gente que en este momento necesitamos algo inspirador. Es algo positivo en la mitad de todo esto”.

La cineasta resalta a Lupita como una mujer adelantada a su tiempo. “Esto no está en el documental, pero tuvo que salir de su cargo como consejala con el congreso indígena por ser una mujer que habla o que piensa. Creo que es momento de que el mundo pueda ver un ejemplo como ella para tener más justicia, para las mujeres y las mujeres indígenas que cargan ese peso”.

Venom: Let There Be Carnage…¡Será el título de la secuela de Venom!

Venom tuvo un interesante estreno. A pesar de que muchas personas no tenían mucha fe en la cinta, la misma tuvo una excelente taquilla (la cual le sirvió para garantizar una secuela) y una buena crítica por parte de la prensa especializada.

Tom Hardy protagonizará junto a Woody Harrelson la segunda parte del simbionte alienígena en Venom: Let There Be Carnage programada para el 2021.

Éste es solamente el último de los aplazamientos ya anunciados por Sony debido a la pandemia de COVID-19. A finales de marzo, se hicieron oficiales los retrasos de MorbiusGhostbusters: AfterlifePeter Rabbit 2 y Uncharted, entre otros venideros lanzamientos.

Venom: Let There Be Carnage comenzó su fase de posproducción antes del estallido de la crisis sanitaria en América. Parte de las filtraciones parecía anticiparnos el look final de Carnage para la secuela, un vistazo que hacía suponer una muy próxima publicación del primer trailer. Sin embargo, ahora que el estreno de la segunda parte se ha pospuesto, habrá que aguardar otra par de meses para el arranque de su campaña publicitaria.

Por lo pronto, con una título que básicamente se traduce como «Que haya carnicería», podemos soñar con que Venom: Let There Be Carnage efectivamente ostente una clasificación para adultos, misma que fuera descartada para su predecesora. Con el fresco antecedente de Joker, que acumuló más de un billón de dólares de nivel mundial, Sony podría (ahora así) aventurarse al R-rated para la futura iteración del simbionte.

Fuente: Cinepremiere

Venom: Let There Be Carnage…¡Será el título de la secuela de Venom!

Venom tuvo un interesante estreno. A pesar de que muchas personas no tenían mucha fe en la cinta, la misma tuvo una excelente taquilla (la cual le sirvió para garantizar una secuela) y una buena crítica por parte de la prensa especializada.

Tom Hardy protagonizará junto a Woody Harrelson la segunda parte del simbionte alienígena en Venom: Let There Be Carnage programada para el 2021.

Éste es solamente el último de los aplazamientos ya anunciados por Sony debido a la pandemia de COVID-19. A finales de marzo, se hicieron oficiales los retrasos de MorbiusGhostbusters: AfterlifePeter Rabbit 2 y Uncharted, entre otros venideros lanzamientos.

Venom: Let There Be Carnage comenzó su fase de posproducción antes del estallido de la crisis sanitaria en América. Parte de las filtraciones parecía anticiparnos el look final de Carnage para la secuela, un vistazo que hacía suponer una muy próxima publicación del primer trailer. Sin embargo, ahora que el estreno de la segunda parte se ha pospuesto, habrá que aguardar otra par de meses para el arranque de su campaña publicitaria.

Por lo pronto, con una título que básicamente se traduce como «Que haya carnicería», podemos soñar con que Venom: Let There Be Carnage efectivamente ostente una clasificación para adultos, misma que fuera descartada para su predecesora. Con el fresco antecedente de Joker, que acumuló más de un billón de dólares de nivel mundial, Sony podría (ahora así) aventurarse al R-rated para la futura iteración del simbionte.

Fuente: Cinepremiere

Sí, Tom Holland es uno de los actores más queridos del momento. Su carismática actuación como Spiderman lo ha llevado a una nueva escala en el mundo de los fans de comics, sin embargo, más allá de las cintas de Spiderman, el actor debe ser recordado por grandes actuaciones como en la cinta de “Lo Imposible” al lado de Naomi Watts.

A través de la casa productora AGBO —fundada por los Hermanos Russo en 2018— pronto verá la luz el filme Cherry, un drama criminal que contará la historia de Nic Walker, un militar con estrés postraumático que deviene adicto a los opioides. Más adelante, él comenzará a asaltar bancos en aras de sustentar económicamente su adicción.

Inspirada en la novela homónima, Cherry cuenta con Tom Holland en el papel principal, y con Joe y Anthony Russo en la silla de dirección. El primero de estos realizadores habló recientemente con ComicBook sobre el filme en cuestión y aprovechó para ovacionar el trabajo de su protagonista.

«Creo que es una actuación digna de un Oscar», afirmó Joe Russo. «Considero que [Holland] es absolutamente sorprendente en la película. Da una actuación desgarradora. Lo que él se hace emocional y físicamente es increíble. No hemos visto a un actor en un papel como éste en mucho tiempo. La película abarca una década y se complementa por una actuación épica. Una que ciertamente yo espero esté en la conversación de los Óscar.»

Cherry culminó su filmación a finales de enero de 2020. Desde entonces ha sobrellevado una posproducción poco adecuada debido a la pandemia de COVID-19. Además, ya existe cierta inquietud sobre hasta cuándo podrán resolverse los pormenores de distribución.

«Hemos estado editando de forma remota con nuestro editor. Estamos a punto de finalizar la imagen y comenzar el montaje de música y sonido para que [Cherry] esté lista en unos meses», añadió Russo, vía ComicBook. «La pregunta es: ¿Cuál será el mercado? ¿Donde vamos a estar? ¿Cuándo van a reabrir los cines? Hay muchas cuestiones que deben responderse antes de lanzarla.»

Mientras piensa en la posibilidad del Óscar, Tom Holland aguarda noticias de Uncharted, cinta inspirada en el afamado videojuego, la cual retrasó su producción debido al coronavirus.

Fuente: Cinepremiere

Rusia…¿Censura a Disney?

Texto original: Elaine Lipworth (Cinepremiere)

El sitio web de Kinopoisk.ru reportó el pasado miércoles 26 de febrero que las compañías distribuidoras rusas cambiaron un diálogo de Unidos, en el que se presentaba al primer personaje LGBT formal de Disney y de Pixar.

Unidos es la nueva producción del estudio de animación, que nos sumerge a la fantástica aventura de Barley e Ian Lightfoot, dos hermanos elfos que intentan revivir a su padre utilizando un utensilio mágico que él les dejó tras su muerte. En el camino se encuentran con diferentes situaciones y personajes, entre los que se halla Specter, una cíclope policía que en un punto de la película menciona que tiene novia.

disney lgbt

A pesar de parecer un diálogo sencillo, fue suficiente para que Disney se revolucionara y dejara de ser de las pocas compañías que no incluían a la comunidad LGBT en sus producciones. Sin embargo, a pesar de que ya es bastante común en Estados Unidos, la situación es muy distinta en Rusia.

disney lgbt

Según el periódico ruso The Russian Times, ésta sería la tercera ocasión en la que se censura contenido LGBT de películas extranjeras que llegan al país, debido a la controversial ley que prohibe la exhibición de «propaganda gay» a menores, misma que entró en vigor en 2013.

Anteriormente, las compañías distribuidoras rusas se encargaron de editar una escena de Avengers: Endgame en la que un personaje masculino menciona tener una cita con otro hombre. Asimismo, omitieron cualquier referencia a la homosexualidad de Elton John en su película biográfica Rocketman.

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Unidos estrena en México este viernes o6 de marzo y es protagonizada por las voces de Tom Holland y Chris Pratt en su idioma original, y por Emilio Treviño y Carlo Vázquez en su doblaje al español.

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No habrá segunda temporada de Watchmen

Sin lugar a duda uno de los comics más queridos de la historia es Watchmen. La adaptación cinematográfica fue un algo accidentada, pero suficiente para entregarle a los fans muchos buenos momentos que viven en la historia del cine.

Solo nueve episodios han pasado de la serie de HBO y la adaptación de Alan Moore fue labor titánica en la narrativa moderna.  Damon Lindelof, reconoce hasta dónde llegan sus inquietudes creativas y, por ende, descarta liderar una (potencial) segunda temporada.

En entrevista con USA Today, el creador de este show confesó ya haber contado —en una sola temporada— la historia que le interesaba narrar. Sin embargo, añadió que no se opondría a que HBO dé luz verde a una novedosa entrega Watchmen; simplemente él ya no formaría parte del equipo creativo.

Sin embargo, Casey Bloys, jefe de programación de HBO, comentó al mismo medio que «sería difícil imaginar hacerlo [una segunda temporada] sin que Lindelof esté inmiscuido de alguna manera».

«[Nos atenemos a] lo que Damon quiera hacer… Si hay alguna idea que lo entusiasme sobre otra temporada, otra entrega, tal vez como un Fargo o un True Detective, o si quiere hacer algo completamente diferente. Estamos muy orgullosos de Watchmen, pero lo que más me interesa es lo que Damon quiera hacer», añadió el ejecutivo.

Ante semejantes declaraciones, y suponiendo que dicha postura se mantenga, quizá no veamos más del show Watchmen en largo tiempo, si no es que nunca. A finales del 2019, justo después de que el noveno episodio de Watchmen fuera emitido, su showrunner conversó con EW y ahí argumentó el por qué una segunda temporada nunca estuvo contemplada.

«Esta es una carta de amor y un análisis del Watchmen original. Quería que todo el mundo supiera que esto no es la mitad de una trilogía, o el principio de una carrera de siete temporadas. En mi opinión, la mejor manera en la que cualquier temporada de Watchmen pudiese reflejar la [novela gráfica] original sería mediante una historia autosuficiente, con la resolución de un misterio principal», declaró Lindelof.

Fuente: Cinemania

Ian Mckellen…¿El diario de Gandalf?

Texto original: Carmen Gómez Medellin (Cinepremiere)

Dirigida por Peter Jackson, la trilogía de El Señor de los Anillos es una de las aventuras épicas más icónicas del cine. Y dentro de las cintas, uno de los personajes más representativos es Gandalf el Gris, ejecutado por Ian McKellen. Recientemente, este actor dio a conocer el diario que realizó mientras filmaba las tres películas.

El viernes pasado, el intérprete británico compartió un tuit mediante su cuenta oficial. En él, comentó que llevó a cabo una pequeña bitácora sobre todo lo que sucedió dentro de la producción de El Señor de los Anillos. «Hace 20 años, llegué a Nueva Zelanda a comenzar la filmación de El Señor de los Anillos. Me uní al elenco el 10 de enero del 2000. En ese tiempo, hice un diario, que actualmente más bien sería un blog. Tal vez disfruten leyendo sobre aquellos embriagantes tiempos», escribió.  De igual forma, McKellen compartió un link para leer el diario. Puedes acceder a él haciendo click aquí. 

El diario (o blog) comienza desde que McKellen fue seleccionado para interpretar a Gandalf en 1999. De igual forma, relata todo el proceso de preproducción y producción de las películas, así como las fiestas de estreno. La narración incluye, incluso, la primera vez que el actor se probó el traje del Mago Gris, y cómo la filmación se cruzó con el proyecto de X-Men.

En la página introductoria a su diario, McKellen escribió: «Estoy consciente de las grandes expectativas que tienen los fans de Tolkien, yo también las tengo. Pero jamás me había imaginado que interpretaría a ninguna clase de mago. No estoy bien preparado. Sin embargo, acabo de trabajar con una bruja, una blanca, con hechizos alucinantes. Su energía es impresionante. Tengo que entender cuál es la naturaleza de la energía de Gandalf. ¿Qué lo mueve? ¿Qué mueve a cualquiera de nosotros?».

Ian McKellen diario Anillos

Es posible mencionar que Ian McKellen disfrutó enormemente darle vida al Mago Gris. De hecho, durante una entrevista con Empire, el actor explicó que aún conservaba muchas cosas de la trilogía en su casa. «Tengo a Glamdring (la espada de Gandalf) en mi perchero, y el sombrero puntiagudo en mi sótano. Usualmente los niños se lo prueban cuando me visitan. El báculo de Gandalf está detrás de la barra en mi pub The Grapes, junto al Támesis. No le digas a Peter (Jackson), pero tengo las llaves de Bolsón en mi casa».

Ian McKellen participó recientemente en la nueva cinta de Tom Hooper, Cats.

Los Oscares 2020…¿Sin anfitrión?

Lo políticamente correcto se ha convertido en una tendencia. Y es que a pesar de ser uno de los eventos más esperados de inicios del año la audiencia en los últimos años ha ido en picada de forma desagradable. Sin embargo, en el 2019 la ausencia de un anfitrión elevo la cantidad de audiencia de forma muy interesante, eso, aunado a las polémicas de Kevin Hart y sus polémicos tuits que obligaron a la academia ha sacar al actor de todos los eventos previos a la magna entrega.

Karey Burke, presidenta de ABC –cadena televisiva que transmite anualmente la ceremonia– confirmó de la Asociación de Críticos de Televisión (TCA, por sus siglas en inglés).

«Junto con la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, hemos decidido que no habrá un anfitrión tradicional, repitiendo lo que funcionó para nosotros el año pasado», declaró Burke, vía Deadline. «[Tendrá] enormes valores de entretenimiento, grandes números musicales, comedia y poderío estelar».

La Academia y la cadena ABC optaron por llevar a cabo el evento sin un anfitrión de por medio. Como consecuencia, según datos, la transmisión de 2019 (treinta minutos más corta de lo usual) consiguió un aumentó del 12% de audiencia, respecto a los números de 2018, cuando tuvieron lugar los Oscar con la menor cantidad de rating en la historia.

Con información de Cinepremiere

Por  Luis Miguel Cruz (Cinepremiere)

La impresionante filmografía de Joaquin Phoenix es una buena forma de entender su posicionamiento entre los mejores actores de todos los tiempos. Joaquin Phoenix debutó en la actuación a los ocho, mientras que su debut cinematográfico tuvo que esperar cuatro años más. Dio muestras de su talento desde muy temprano en su carrera, pero también batalló por despegarse de la sombra de su popular hermano River.

Su verdadero éxito comenzó en el 2000 bajo las órdenes de cineastas como Ridley Scott y M. Night Shyamalan, pero su consolidación llegó un tiempo después, cuando realizadores como James Gray y Paul Thomas Anderson explotaron su talento al máximo hasta convertirlo en uno de los actores más talentosos de su generación.

Hoy en día, Joaquin Phoenix es sinónimo de calidad.  Como prueba este ranking con sus mejores películas.

Letras prohibidas: La leyenda del Marqués de Sade (Dir. Philip Kaufman, 2000)

El 2000 fue un buen año para Joaquin Phoenix. Casi todos lo recuerdan por Gladiador, pero también tuvo una actuación destacada en Letras prohibidas, la cual se vio favorecida por la gran calidad del ensamble integrado por Geoffrey Rush, Kate Winslet y Michael Caine. El actor interpreta el rol de Coulmier, el tranquilo y noble abate de la institución mental de Charenton y quien sufre en silencio porque sus compromisos religiosos le impiden manifestar su amor y su deseo por la lavandera Maddy. A pesar de sus esfuerzos por mantener la paz, las tensiones detonarán con la llegada de una nueva y más estricta autoridad que desafía las libertades del paciente más famoso de la institución: el Marqués de Sade. No es el papel más arriesgado de Phoenix, pero esto no demerita su estupenda labor al momento de capturar la caída de un hombre bueno por la hipocresía de la sociedad que le rodea.
Amantes (Dir. James Gray, 2008)

No tiene el impacto mediático de otros cineastas, pero esto no evita que James Gray sea una de las grandes mentes creativas de su generación. Prueba de ello son sus cuatro colaboraciones con Joaquin Phoenix, que lo convierten en el realizador más recurrente en la filmografía del siempre exigente actor. La tercera fue Amantes que inspirada en Noches blancas de Fiódor Dostoyevski, nos introdujo con un suicida cuyos problemas de depresión se acentúan cuando debe decidir entre dos mujeres con las que podría sanar su soledad: la primera fue elegida por sus padres al ser la hija de una exitosa familia de amigos; la segunda es una turbulenta vecina que padece problemas de adicciones y está inmersa en una relación con un hombre casado. A pesar de su aparente simpleza narrativa, la cinta recibió estupendas críticas por abordar el amor de un modo realista, trágico y sorpresivo, una práctica poco recurrente en el cine norteamericano. Los resultados no habrían sido los mismos sin Phoenix, en la que suele ser considerada la interpretación más emocional de toda su carrera.
Sueños de libertad (Dir. James Gray, 2013)

Cuarta colaboración de James Gray con Joaquin Phoenix, esta vez acompañado de Marion Cotillard y Jeremy Renner, para trasladarnos a los Estados Unidos de los 20, donde una recién llegada inmigrante polaca es engañada para ser introducida en el mundo de la prostitución. Phoenix interpretó al responsable de la trampa con enorme destreza, pues lejos de centrarse en su infamia, construyó un sujeto tan carismático que podría conquistar a cualquiera y que sólo revela su verdadero rostro en situaciones de amenaza o frustración. Aunque tuvo una buena recepción en Cannes, la cinta pasó desapercibida para muchos a causa de su pobre distribución, consecuencia directa de un retraso que buscaba cambiar su desenlace. El tiempo le ha hecho justicia y cada vez son más los que le consideran un título clave para abordar la explotación sexual femenina en los primeros años del siglo XX.
Gladiador (Dir. Ridley Scott, 2000)

Joaquin Phoenix debutó en el cine en 1986, y aunque eventualmente fue considerado por cineastas como Gus Van Sant (Todo por un sueño, 1995) u Oliver Stone (Camino sin retorno, 1997), su verdadero salto no llegaría sino hasta el 2000 con Gladiador, dirigida por Ridley Scott y en la que interpretó el primer gran rol de su carrera. Se trata de Commodus, hijo del anciano césar cuyos sueños de poder le hacen matar a su padre y ejecutar un despiadado plan para deshacerse de Maximus, un habilidoso general elegido para el rescate de la república romana. La cinta le valió su primera nominación a toda clase de galardones, entre los que destacó el Premio de la Academia. Aunque partió con las manos vacías, poco importó, pues lo más importante fue el impulso obtenido para posicionarse entre los actores más talentosos de su época.
Vicio propio (Dir. Paul Thomas Anderson, 2014)

Thomas Pynchon es uno de los grandes autores de todos los tiempos, lo que por mucho tiempo provocó que su obra fuera catalogada de inadaptable. Esta premisa fue desafiada por los talentosos Paul Thomas Anderson y Joaquin Phoenix, quienes se reencontraron dos años después de The Master (2012) para la primera adaptación a la obra del escritor, un esfuerzo que resultó en uno de los proyectos más complejos de toda su filmografía: Vicio propio. La dupla hizo un estupendo trabajo, pues a pesar de la aparente sencillez de su premisa –un detective de los 70 que investiga un triple caso–, supo plasmar toda la complejidad narrativa y simbólica del texto original, lo que invariablemente hizo que la obra resultara incomprensible para muchos. Esto le condenó en la temporada de premios e incluso entorpeció su acceso al cine de culto, pero no impidió que se convirtiera en una de las obras más aclamadas entre los seguidores del director y el actor.
Johnny & June: Pasión y locura (Dir. James Mangold, 2005)

Joaquin Phoenix participó en toda clase de proyectos después de Gladiador (2000), lo que le llevó a algunos altibajos importantes. La estabilidad empezó a manifestarse con Johnny & June: Pasión y locura, donde acompañado por Reese Witherspoon, exploró el ascenso musical del celebrado Johnny Cash, su relación con la también cantante June Carter y su eventual caída a causa de las adicciones. Ambos fueron nominados al Premio de la Academia por sus respectivas interpretaciones, pero sólo la actriz pudo llevarse la estatuilla, lo que generó varios debates para explicar la derrota del actor: una durísima terna donde compitió con Heath Ledger por Secreto en la montaña y el eventual ganador Philip Seymour Hoffman por Capote; a que, si bien el actor emuló perfectamente el accionar del músico, nunca pudo acercarse a su canto; a que el guion inspirado en dos biografías autorizadas le dio muy pocas libertades interpretativas. La mayor prueba de su calidad histriónica llegó con Rosanne Cash, hija de la dupla y quien externó en numerosas ocasiones el dolor provocado por un filme que le recordó algunos de los momentos más tormentosos en la vida de su padre.
Les fréres Sisters (Dir. Jacques Audiard, 2018)

El francés Jacques Audiard, director de Un profeta (2009) y Metal y hueso (2012), demuestra una estupenda comprensión de la frontera americana en su adaptación The Sisters Brothers, novela escrita por Patrick deWitt sobre dos hermanos bandoleros que se quedan sin cabida en un mundo cada vez más civilizado. John C. Reilly da vida a Eli, cuyos sueños de una nueva vida abren las puertas a la transición; más difícil es la situación de Charlie, brillantemente interpretado por Joaquin Phoenix, quien construye un personaje tan acostumbrado a la violencia que es incapaz de verse en una situación distinta y cuya renuencia al cambio le torna cada vez más hostil. Esta combinación de talentos resulta en uno de los westerns más destacados de los últimos años, que actualiza la simbología más clásica del género para explorar la transición paulatina del oeste. A pesar de su gran calidad, su producción francesa mermó su impacto a nivel mundial.
Nunca estarás a salvo (Dir. Lynne Ramsay, 2017)

Lynne Ramsay es una especialista en la exploración de la violencia. Uno de los mejores ejemplos de esta maestría es Nunca estarás a salvo, donde apoyada en un brillante Joaquin Phoenix, nos introduce con especialista en el rescate de niñas secuestradas y traficadas, lo que resulta en una inmersión en dos mundos socioeconómicos distintos, pero igualmente unidos por la podredumbre moral. La hostilidad de esta premisa es tratada con gran sutileza y elegancia por Ramsay y Phoenix, pues nunca se interesan en la brutalidad, sino en las dualidades psicológicas de un sujeto cuyas acciones pueden ser tan sangrientas como enternecedoras. Más destacado aún es que el protagonista realiza esta construcción en un silencio casi absoluto y transmitiendo su continuo sufrimiento casi exclusivamente con la mirada, una labor que le llevó a ser galardonado como el Mejor actor en Cannes.
Guasón (Dir. Todd Phillips, 2019)

Parecía que la etiqueta de Joker cinematográfico definitivo pertenecía a Heath Ledger, pero la brutal interpretación de Joaquin Phoenix en Guasón ha suscitado varios debates al respecto. El propio actor ha confirmado que se trata de una de las actuaciones más desafiantes de su carrera, tanto por la transformación física que implicó bajar poco más de 20 kilos, la risa inspirada en pacientes psiquiátricos y que debía externar un enorme dolor, y muy especialmente el reto de construir un personaje que no buscaba la empatía del público, sino la comprensión de su sufrimiento en una sociedad fallida. Esta misma construcción ha sido motivo de enorme polémica, pues hay quienes temen que la película inspire la violencia de las audiencias. El actor no ha dudado en manifestar su molestia con esta lectura, pues lejos de una incitación, es un crudísimo reflejo del mundo cada vez más agresivo en el que ya vivimos. Aunque su trabajo es exquisito, el proyecto pierde fuerza por una narrativa que toma prestados demasiados elementos de otros filmes que han abordado la decadencia social, siendo Taxi Driver (1976) el más claro ejemplo. Esto no le impedirá pasar a la historia, no sólo durante la temporada de premios, sino como uno de los filmes más decisivos de toda una generación.
Ella (Dir. Spike Jonze, 2013)

La destreza narrativa de Spike Jonze y el talento histriónico de Joaquin Phoenix dieron una de las mayores joyas de la ciencia ficción contemporánea que, sin necesidad de recurrir a la espectacularidad visual, resultó en un poderoso comentario social que resuena con cada vez más fuerza. Se trata de Ella, que aborda el distorsionado romance entre Theodore y Samantha: él es un hombre introvertido y solitario; ella un sistema operativo cuya elaborada programación le convierte en el único ser capaz de comprenderle. Una historia de amor del siglo XXI cuya sutileza y emotividad no están peleadas con su complejidad y originalidad al momento de abordar la decadencia de la interacción humana ante la necesidad de pasar más tiempo frente a una pantalla. Conmovedora y perturbadora por igual, le valió una nominación al Oscar a Spike Jonze en la categoría de Mejor película, además de una estatuilla en la terna de guion original.
The Master: Todo hombre necesita un guía (Dir. Paul Thomas Anderson, 2012)
Se pensaba que Joaquin Phoenix batallaría tras su pequeño tropezón con la controvertida e incomprendida I’m Still Here (2012). Todo lo contrario, pues su siguiente película fue The Master: Todo hombre necesita un guía, donde dirigido por un brillante Paul Thomas Anderson, interpretó a un veterano de guerra capturado por el carisma de un líder sectario interpretado por Philip Seymour Hoffman, lo que resultó en un impresionante duelo de actuación que tuvo un estupendo paso por la temporada de premios, destacando la nominación al Oscar para ambos actores. Tampoco olvidemos que este filme marcó la pauta para un nuevo Joaquin Phoenix, quien desde entonces se decantó por papeles cada vez más psicológicos que requirieran actuaciones más complejas y que más allá de cualquier diálogo, le permitieran transmitir el sentir de sus personajes con la mirada o su comportamiento. Por esto mismo se dice que The Master es una de las mejores películas de su carrera, así como el proyecto que lo colocó en lo más alto de la élite histriónica, un puesto que no ha abandonado desde entonces

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